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“Time” is a mysterious topic that we have never been able to fathom, whether it is the existential philosopher Martin Heidegger’s questions of “where time goes” or the physicists’ claims that we must re-envision the “electromagnetic arrow of time” in terms of the direction from past to future. Yet it is a matter that continues to pique our curiosity, since time is life itself for all of us. As it looks at this eternally unresolved theme, the color-based record in my work diary, which has continued since 2016, has focused not on the question “what is time?” but on the question “who is time?”

 

Color exists everywhere. When I look at things, I perceive everything through colors. To me, color is all things: people, times, and places. It is a synesthetic experience.  Color is the starting point for all my artwork, a physical material and a structure that determines the work’s aesthetic qualities. In my art, color is not a tool to express something; it is the very center of the work.[1] Mark Rothko said that the sensory is the most basic language out of all human experiences. Whether the concept is something abstract, a direct outcome, or an indirect reference to an experience, the sensory is the means that we use in the first and last instances when referring to all concepts that we encounter. Senses, in other words, are an index of real life. Among all the different senses, that of “seeing” encompasses the others. Martin Heidegger, for example, explains how the verb “to see” includes all the senses. [2] We use phrases such as “see how it shines,” “see how it smells,” and “see how the food tastes.” Through the experience of synesthetic “seeing” in our day-to-day experience, we understand ourselves and connect the world with others, sensing and intuiting as we live.

 

Even when we see the same color every day, the extent of our perceptions of it differ from moment to moment with the light and spatial environment; each person experiences it differently based on their own color perception abilities.[3] Josef Albers writes that when one person speaks of “red,” 50 different people who hear that will each envision a different red. When other experiments have placed different shades of red before listeners and then asked them to pick the red that matches the Coca-Cola colors, the participants have each chosen a different one; even after their selection, they cannot be certain that their red is the correct one. Apart from any comparisons of the colors we and other people perceive, you can also photograph the same place at the same time every day and have the photograph appear different each time, unless it is somehow possible to completely control the light. Through that most basic sense—the act of “seeing”—we perceive colors consciously and unconsciously in our daily life, but it is not easy for us to visualize, name, or even recall certain colors we see every day.

 

Even as we have timepieces to indicate the time, calendars to show the month and day, and seasons that seem to cycle around and around in the continuity of time, we still cannot define time. Aristotle understood time as “something in which events take place.[4] Color is a power that is pre-cognitive and pre-linguistic. Rather than asking “what” time is, I am now echoing Heidegger’s inquiry[5] by focusing on the questions of “who is time?” and “am I my own time?” as I record “my time” in color.

 

[1] Mark Rothko, The Artist’s Reality, Korean trans. Kim Sun-hee (Seoul: Da Vinci, 2004), 88, 89.

[2] Martin Heidegger, Being and Time, Korean trans. Lee Gi-sang (Seoul, 1997), 235.

[3] Josef Albers, Interaction of Color, Korean trans. Byeon Ui-suk & Jin Gyo-jin (Seoul, 2013), 17.

[4] Simon Morley, The Simple Truth: The Monochrome in Modern Art, Korean trans. Hwang Hui-gyeong (Paju, 2022), 98.

[5] Martin Heidegger, The Concept of Time, Korean trans. Seo Dong-eun (Seoul, 2011), 11, 47.

Melody Park

 

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diary (2016-2023)

Publisher: Melody Park ( Park books)

Photography: Myoung studio

Design:Eunjoo Hong, Hyungjae Kim and assisted by Yelin Yi

Translation: Colin Mouat

ISBN 9791198408914

168pages, 11 x 15cm, Korean/English

October 2023

This publication has been financially supported by Incheon Foundation for Arts&Culture as the selected project ‘2023 art creation support’



 

   ‘시간은 어디로 가는가?’라는 실존주의 철학자 마틴 하이데거의 질문부터, 과거에서 미래로 진행되는 시간의 방향 간의 전자기 화살 (electomagenetic arrow of time)을 다시 써야 한다는 물리학자들의 주장까지 ‘시간’이라는 주제는 늘 우리에게 풀지 못한 미스테리한 주제이지만, 모두의 삶 자체이기에 늘 궁금증을 가진다.  2016년부터 현재까지 진행 중인 색으로 기록하는 일기 <diary> 작업은 이 영원히 풀지 못할 ‘시간’이라는 주제에 관하여 ‘시간은 무엇인가?’가 아닌, ‘시간은 누구인가?’라는 질문에 초점을 맞춘다.

 

색은 어디에나 있다. 나에게 보고 있는 모든 것은 색으로 다가온다. 나에게 색이란 사람, 시간, 공간 등 모든 것들이며, 공감각적 경험이다. 색은 나의 모든 작업에 첫 시작점이며, 물질적 재료이자 작업의 조형성을 만드는 구조다. 내 작업에서 색은 무언가를 표현하기 위한 도구가 아닌 색 자체가 작업의 중심이다. [1]마크 로스코는 인간이 겪는 모든 경험 중 가장 기본적인 언어는 감각성이라고 한다. 그 개념이 추상적이거나, 직접적인 결과이거나, 혹은 그런 경험을 우회적으로 언급하는 것이든 간에 감각성은 우리가 경험하는 모든 개념을 최초로 언급할 때와 최종적으로 사용하는 수단이다. 즉 감각성은 현실적인 삶의 지표이다. 특히 여러 감각 중에서도 ‘보는 것’은 모든 감각을 포함한다. 예를 들어 마틴 하이데거는  ‘보다’ (To see)라는 감각은 모든 감각을 포함한다고 설명한다. [2] ‘보라, 얼마나 빛나는지(see how it shines)’, ‘냄새를 맡아 보라(see how it smells)’, ‘맛을 보라(see how the food tastes)’  라고 이야기한다. 우리는 매일의 일상 안에 공감각적 보는 경험을 통해 나 자신에 대한 이해와 더불어 타인과 세계를 연결하고, 감각하고, 직관하며 살아가고 있다. 

 

  같은 색을 매일 본다고 해도 그 색을 감각하는 정도는 빛과 공간의 환경에 따라 매순간 다르고, 개인의 색 인지 능력에 따라 사람마다 받아들이는 차이가 있다. [3]예를들면, 요제프 알버트의 말처럼 누군가 ‘빨강’이라고 말하고, 50명이 듣는다면 모두 다른 빨강을 떠올릴 것이다. 다른 실험으로, 청자들 앞에 다양한 빨강을 놓고 그 중에서 코카콜라의 빨강을 선택하게 해도, 다 각자 다른 빨강을 고르거나 고르고 나서도 내가 고른 빨강이 맞는다고 확신할 수 없을 것이다. 다른 사람과 내가 인지하는 색을 비교하지 않더라도, 한 사람이 같은 공간, 같은 시간 매일 같은 것을 사진으로 찍어도 빛을 완벽히 통제하지 않고는

매일 다른 사진이 나올 것이다. 이처럼, 우리는 감각의 기본인 ‘보는 것’을 통해 의식과 무의식 안에 일상적으로 색을 보고 있지만, 색은 계속 변하기에 매일 보는 어떤 색을 떠올리거나, 명명하거나, 기억하는 것조차 쉬운 일이 아니다.

 

시계는 시간을 가리키고, 달력은 월과 일을 표시하고, 계절은 다시 돌아와 시간이 영원성 가운데 반복하는 것처럼 보이지만 우리는 여전히 시간을 정의 할 수 없다. 아리스토텔레스는 [4]“시간이란 사건들이 진행되는 어떤 것이다.”라고 시간을 이해했다. [5] 색은 전 인지적(pre-cog-nitive)이자 전 언어(pre-linguistic)적인 힘이다. 나는 이제 ‘시간은 무엇인가’ 라는 물음보다 하이데거의 질문처럼 ‘시간은 누구인가’, ‘나는 나의 시간인가’라는 질문에 초점을 맞추며 나의 시간을 색으로 기록한다.

 

 

[1] 마크 로스코, 『 예술가의 리얼리티 』,김순희 옮김 (서울:다빈치,2004) 88,89

[2] 마르틴 하이데거, 『존재와 시간』,이기상 옮김(서울,1997),235

[3] 요제프 알버트, 『색채의 상호작용』,변의숙,진교진 옮김(서울,2013)17

[4] 마르틴 하이데거 ,『시간의 개념』,서동은 옮김,(서울,2011)11,47

[5] 사이먼 몰리, 『모노크롬;이해할 수 없고, 짜증나는, 혹은 명백하게 단순한,황희경 옮김(파주,2022)98

​멜로디박

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Bismuth Vanadate Yellow

Independent curator: Kyunghyun Kim.

 

  From the 31st of March until the 14th of April, H Contemporary Gallery open Bismuth Vandate Yellow, exhibition of work by Melody Park in which the colours that we encounter in our everyday lives are unravelled through the artist’s unique sense of improvisation. This exhibition presents new works using Bismuth Vanadate Yellow, a yellow oil paint pigment which is cold and cool like the title of the exhibition, but which arouses deep feelings. Melody Park developed an interest in the colours of the varied and fleeting things she encountered in her everyday life over time and observed and researched them without subconsciously going overboard, and she created her works by pictorialising them through her unique senses.

  Furthermore, she is expanding her horizons as a young, contemporary, abstract artist by creating her own new experimental shapes in installations which use various objets to expand and connect with two-dimensional works.

 

  In this exhibition, Melody Park focuses on ‘Bismuth Vanadate Yellow’, a representation of the post-modern pigment which is a mix of two metal oxides, bismuth and vanadate. This pigment is being noticed as a post-modern colour which has the advantages of opacity and high chroma and saturation while also addressing the negative environmental and heavy metal issues of Cadmium Yellow, which has been popular with artists since the 19th century.

  In this exhibition, the artist intends to show visual dynamicity and presence through tones which are bright and rhythmical yet have depth and weight like the colour of Bismuth Vanadate, as well as to clearly convey her inner world. In particular, this exhibition expresses on the canvas the feeling of standing in the middle of the intersection between the artist’s narrative and an unknown world or of focusing on emotions over rationality in the current situation in which it is impossible to make a decision. In 2020, the artist suffered from depression as a side effect of medication at the same time as the pandemic approached, and in an attempt to change the lack of reality in her lethargic, unconscious daily life wherein her mental crisis was repeated over and over, she searched for bright and lively colours. Working with such strong and highly saturated hues had a key role in helping the artist to work out her depression through aesthetic comfort, as can be sensed in the use of Cadmium Red and Cobalt Blue in her 2020 work, A Journey Which Never Arrives. It is just like the painter Klingsore in Hermann Hesse’s Klingsore’s Last Summer, who spends his last summer in a mentally and internally weakened dramatic state, enduring and transforming his pain by drawing a picture which is calm and dreamlike while also being eccentric and bright, and in which the forms of the current world are freely interpreted through vivid colours such as Cadmium Yellow, Cadmium Red, and Cobalt Violet.

 

  Melody Park’s work delicately and sensitively looks at the colour, texture, and unique properties of the oil paints which are used, and this meaning is intensified and a painting of depth is created through the combination of layers atop the canvas. By using mainly large, flat brushes or parts of her own body, such as her hands, without the help of any tools, unexpected effects of improvised moments are sought after during the process of expression, and they become formed through free artistic expressions. Deep ties are created between the pure but daring, formless brush strokes and the haughty colours, each of which see themself as the protagonist. They each find their place by being properly superimposed on top of one another, and thus Melody Park’s unique identity is revealed on the canvas’ surface.

 

  In this exhibition, Melody Park wants to share the points of her inner self with others by reflecting her spiritual thoughts into the instinctual energy, pleasure, and pure feelings given by highly saturated colours. Furthermore, it is expected that this exhibition will reveal Melody Park’s hope that the value of artworks which involve a wave of inner calm in the audience will be seen and will also reveal the artist’s pure and own particular style of contemporary artistry.

 

 

 

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비스무트 바나다테 옐로우; Bismuth vanadate yellow

 

독립 큐레이터 김경현

  H contemporary gallery는 일상에서 매일 마주치는 다채로운 색들을 작가 고유의 즉흥적 감각으로 풀어내는 멜로디박의 개인전 <<비스무트 바나다테 옐로우; Bismuth vanadate yellow>>를 2021년 3월 31일부터 4월 14일까지 개최한다. 이번 전시는 전시 제목과 같이 차갑고 시원하지만 깊이감이 느껴지는 옐로우 칼라의 유화 물감 피그먼트인‘비스무트 바나나테 옐로우 Bismuth Vanadate Yellow)’로 작업한 신작들을 선보인다.

  그동안 멜로디박은 작가 개인의 일상에서 마주하는 순간적 다양한 것들의 색에 대한 관심으로 시작해, 이를 무심코 지나치지 않고 관찰, 탐구하며 멜로디박 고유의 감각으로 회화화하여 작업해왔다. 또한 평면 작업뿐만 아니라, 다양한 오브제를 이용해 새로운 회화적 형식을 실험하고 확장시켜 현대적인 국내 젊은 추상작가로서의 지평을 넓혀가고 있다.

 

  이번 전시에서 멜로디박은 ‘비스무스(Bismuth)’와 ‘바나다테(Vanadate)’라는 두 금속 산화물이 섞인 포스트 모던 피그먼트를 대표하는‘비스무트 바나나테 옐로우(Bismuth Vanadate Yellow)’에 주목한다. 이 피그먼트는 19세기부터 화가들에게 사랑 받았던 카드뮴(cadmium) 옐로우의 환경적, 중금속 이슈의 단점은 보완하면서 불투명성과 높은 채도의 장점은 그대로 가져 포스트모던 컬러로 주목 받고 있다.

  멜로디박은 이번 전시에서 비스무스 바나다테의 색처럼 밝고 리드미컬하지만 깊고 무게감이 느껴지는 색조들로 시각적인 역동성과 존재감을 나타내며 작가의 내면세계를 투명하게 전달하기로 한다. 특히, 이번 전시는 멜로디박이 불완전한 서사, 미지 세계의 교차로 한가운데에 서 있는 듯하거나, 어떠한 결론 도출이 불가능한 현재의 상황을 이성이 아닌 감성적 영역에 집중하여 평면 안에 담아낸다. 이는 2020년 멜로디박에게 닥친 팬데믹 상황과 동시에 약의 부작용으로 인한 우울증을 겪으며 찾아온 정신적 위기가 반복적이고 무기력한, 무의식의 일상에 대한 현실에 대한 결핍을 전환시키고자 빛나고 활기찬 색을 찾게 되었는데, 이것은 <도착한 적 없는 여행, 2020>에서 카드뮴 레드나 코발트 블루와 같은 채도 높고 강렬한 색조를 포착할 수 있는 것처럼, 작가가 가진 감정을 심미적 위안으로 풀어내기에 이러한 색채는 주요한 역할로 작용함을 보여준다. 마치 헤르만 헤세의 ‘클링조어의 마지막 여름’에서 화가 클링조어가 정신적, 내면적으로 약화된 극적인 상황에서 마지막 여름을 보내며 카드뮴 옐로우, 카드뮴 레드, 코발트 바이올렛과 같은 찬란한 색을 통해 현상 세계의 형식들을 자유롭게 해석한, 기이하고도 빛나는, 그러면서도 고요하고 꿈같은 그림을 그리며 고통을 감내하고 승화시켰던 것처럼 말이다.

  멜로디박의 작업은 작가가 만든 고유의 색과 실험적인 물성, 텍스처를 섬세하고 예민하게 바라보고, 캔버스 위에 색으로 겹겹이 쌓인 레이어들의 조합으로 그 의미가 더해져 깊이감 있는 회화를 만들어내는데, 주로 커다란 평 붓을 사용하거나 아무런 도구의 도움 없이 자신의 손과 같은 신체를 사용하여 평면 위 표현 과정에서 즉흥적인 순간의 우연적 효과(Unexpected happen)를 추구하기도 하며 자유로운 회화적 표현으로 구현되어진다. 순수하지만 과감하며, 형식이 없는 브러시 스트로크, 그리고 각자 주인공이라 뽐내는 색들은 깊은 관계를 맺고 서로 적절하게 중첩되어 자리를 잡고선 멜로디박만의 아이덴티티의 본질을 평면 위로 드러낸다.

   멜로디박은 이번 전시를 통해 채도 명도가 높은 색이 주는 본능적 에너지, 쾌감 그리고 순수한 감각에 작가의 정신적 사유를 반영함으로써 타자와 작가 내면의 지점들을 공유하고자 한다. 또한, 관람자로 하여금 내면의 고요한 파동을 불러일으켜 작업들이 더욱 가치 있게 발현되길 희망함과 동시에 작가 특유의 현대적이면서도 순수한 회화성이 이번 전시를 통해 많은 사람들에게 전달되기를 기대한다.

 

 

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© Melody, Park

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